El evento del año, Coachella 2025, acaba de concluir de manera espectacular. Cada una de las actuaciones impresionantes se ha convertido en el centro de atención global. Además, dentro del espacio de Coachella, destacan tres grandes instalaciones que también captaron todas las miradas, junto con las maravillosas obras presentadas en el festival internacional de arte Desert X 2025, ubicadas en este vasto desierto.
Dos grandes encuentros artísticos exploran los límites entre la naturaleza y la humanidad de formas completamente opuestas pero complementarias, redefiniendo el paisaje del desierto. Coachella, junto con Raffi Lehrer de Public Art Company, el director artístico Paul Clemente y Goldenvoice @goldenvoice, presenta tres impactantes obras de arte a gran escala inspiradas en el tema del tiempo, combinando instalaciones artísticas con actuaciones musicales.
Por su parte, Desert X, bajo la dirección artística de Neville Wakefield y la co-curaduría de Kaitlin Garcia-Maestas, presenta un total de 11 instalaciones de arte a gran escala. Estas obras, creadas por reconocidos artistas internacionales como Agnes Denes y Sanford Biggers, exploran las complejas relaciones e influencias entre el desierto, el poder, la naturaleza, el ser humano y las tecnologías emergentes. Más allá de mostrar las infinitas posibilidades del arte contemporáneo, esta exposición convierte este paisaje desértico en un destacado escenario para reflexionar sobre la conexión entre la humanidad, la tecnología y la naturaleza.
Las dos grandes exposiciones no solo enriquecieron el paisaje visual del Valle de Coachella, sino que también profundizaron en la compleja relación entre la humanidad, la tecnología y la naturaleza. ¡Echemos un vistazo a estas catorce obras inolvidables!
Coachella 2025｜Stephanie Lin
Caramelo
La diseñadora canadiense Stephanie Lin presenta una impresionante instalación artística Caramelo compuesta por siete majestuosas torres cilíndricas, ofreciendo un refrescante festín visual en el cálido Valle de Coachella.
El conjunto está compuesto por siete torres cilíndricas con alturas que varían entre 25 y 50 pies, cada una cubierta con una intrincada rejilla en forma de abanico diseñada para generar efectos de nubes cambiantes. Los colores de las torres se transforman sutilmente según la intensidad y el ángulo de la luz solar, creando un espectro vivo de colores que añade una sensación de fluidez al paisaje desértico. Stephanie Lin también diseñó bancos circulares de madera contrachapada en la base de la instalación, que no solo ofrecen una zona de sombra y descanso, sino que también crean un espacio para encuentros sociales.
Esta construcción que parece hecha de caramelo es especialmente cautivadora al atardecer. Cuando se encienden las luces, las siete torres se transforman en siete columnas de luz parpadeante, reflejándose en el cielo estrellado de Coachella. Se ha convertido en uno de los puntos más populares para fotografías del festival, mostrando la interpretación única de Stephanie Lin sobre la arquitectura, el arte y los espacios sociales. Además, logra combinar a la perfección funcionalidad y arte, dando vida a un espacio público multifuncional que fusiona el modernismo desértico medieval con la estética del diseño contemporáneo.
Coachella 2025｜Uchronia
El Gran Ramo
El equipo de diseño francés Uchronia ha creado una impresionante instalación de jardín giganteEl Gran Ramo. Esta estructura inflable de flores, con una altura de 32 pies y compuesta por 19 flores de tela iluminadas, no solo evoca la belleza efímera de las flores silvestres que florecen brevemente en el desierto, sino que también aporta al festival de música un aire onírico con un toque retro-futurista.
La inspiración detrás de El Gran Ramo proviene de la estética del diseño gráfico de las décadas de los 60 y 70, reinterpretada a través de tecnología y materiales modernos. 19 flores principales emiten un brillo suave por la noche, rodeadas por seis pequeños ramos satélites, formando un jardín luminoso lleno de poesía. El equipo de diseño ha añadido especialmente alrededor de la instalación unos asientos interactivos con forma de pétalo, permitiendo a los espectadores descansar, socializar e incluso celebrar pequeñas fiestas en este mar de flores artificiales.
Cada vez que la brisa nocturna acaricia, las flores de tejidos brillantes se mecen con el viento, creando un efecto dinámico cautivador, como si fueran un jardín de luz que respira. Esta obra no solo se ha convertido en un lugar popular para fotografías en redes sociales, sino que también ha logrado crear un espacio artístico inmersivo lleno de magia, mostrando la interpretación única del equipo de diseño sobre el arte público.
Coachella 2025｜Isabel + Helen
Despega
El dúo de diseño de Londres, Isabel Gibson y Helen Chesner, ha creado una instalación dinámica llena de futurismoDespega. Esta obra, compuesta por tres torres dinámicas de 60 pies de altura, no solo responde a las características naturales del viento del desierto, sino que también transforma la romántica imaginación de los diseños de aviación tempranos en una experiencia visual impactante.
Cada torre de Despega está equipada con turbinas personalizadas de alta precisión, capaces de responder instantáneamente a la dirección predominante del viento local, transformando la energía invisible del viento en un movimiento mecánico elegante. Además, el diseñador ha añadido un toque único al incluir turbinas portátiles y componentes interactivos, permitiendo al público experimentar de primera mano la perfecta fusión entre la fuerza del viento y la mecánica.
Cada vez que cae la noche, esta instalación, que durante el día se centra en una experiencia meditativa, se transforma en un espectáculo visual donde la luz y el movimiento convergen. Los elementos luminosos de la torre parpadean al compás de los cambios en la fuerza del viento, como si fueran bailarines de luz danzando en el cielo nocturno. Esto logra una fusión perfecta entre sistemas ambientales e innovación tecnológica, añadiendo un toque poético y lleno de futurismo al desierto bajo el cielo estrellado.
Desert X 2025｜Agnes Denes
La Pirámide Viva
La Pirámide Viva es una obra de arte que combina escultura conmemorativa e intervención ambiental, creada por la innovadora artista y activista Agnes Denes. Esta pieza fusiona su influyente arte público en tierras comunes con su constante exploración de la forma piramidal. Con la pirámide como núcleo de la composición, incluye la plantación de flora nativa del desierto de California, evolucionando continuamente con el cambio de estaciones y mostrando la interacción entre el desarrollo orgánico de la naturaleza y los símbolos de la civilización humana.
En seis meses, las plantas germinan, florecen; algunas generan semillas mientras que otras se marchitan. Para ella, este proceso demuestra cómo el desarrollo orgánico de la naturaleza interactúa con la forma más emblemática de la civilización humana: la pirámide. Asimismo, considera que, aunque la pirámide tiene su origen en la perfección matemática, también encierra la imperfección humana, reflejando así la naturaleza dinámica de la realidad. Por ejemplo, la estructura de la pirámide posee una jerarquía que resuena con el estatus de Sunnylands como Camp David en el oeste de Estados Unidos, un lugar donde líderes globales en política y pensamiento se reúnen para Promover la paz mundial y facilitar acuerdos internacionales.
A través de la conciencia ecológica y la conservación, la obra trasciende ser una mera estructura visible y se convierte en una forma de tejido social, fomentando la creación de una microcomunidad responsable de su construcción, cultivo y mantenimiento continuo.
Desert X 2025｜La artista coreana Kim Sooja（Kim Sooja）
Para Respirar – Valle de Coachella
La artista de origen coreano Kim Sooja y el arquitecto @jaeho.chong unieron fuerzas para crear una impresionante instalación artística de gran tamaño Para Respirar – Valle de Coachella, transformando el desierto en un paisaje onírico en constante movimiento, donde las personas pueden respirar junto al arte bajo el resplandor del sol.
Esta instalación artística site-specific envuelve la fachada del edificio con una gran película irisada en tonos arcoíris, generando un efecto óptico fascinante bajo la luz del sol. Kim Sowol aprovechó hábilmente la intensa luz solar característica del desierto para lograr que la obra cambiara de aspecto a lo largo del día: durante la mañana, irradia un suave brillo nacarado; al mediodía, se transforma en un caleidoscopio deslumbrante de arcoíris; y al atardecer, adopta delicados matices en tonos rosa y púrpura.
El espejo también desempeña un papel clave en la exploración de la transitoriedad de la luz por parte de Kim Soja, haciendo eco de otra de sus obras situada en el desierto, a casi 8,000 millas de distancia. Ambas piezas están conectadas por el aire que sustenta la vida humana, y rinden homenaje a los orígenes históricos del movimiento de luz y espacio en la costa oeste de los Estados Unidos. Además, la obra se presenta de una manera constantemente cambiante, inspirándose en las teorías cromáticas del taoísmo chino, el confucianismo y el budismo, enriqueciendo estas tradiciones al incorporar una perspectiva femenina de Asia Oriental. Esto da lugar a una experiencia que es tanto efímera como profundamente significativa.
Este efecto visual cambiante no solo enriquece el paisaje monótono del desierto, sino que también crea una poética espacial única. A través de esta obra, Jin Shouzi explora la relación entre el ser humano y el entorno natural, así como las posibilidades de cómo el arte puede transformar el espacio, aportando además un impactante deleite visual inolvidable a Desert X 2025.
Desert X 2025｜Sanford Biggers
Unsui (Espejo)
Unsui (Espejo) son dos esculturas de lentejuelas que alcanzan una altura de 30 pies, con el vasto cielo del desierto como telón de fondo. Representan las nubes, un símbolo recurrente en las obras de Sanford Biggers.
El artista multimedia Sanford Biggers destaca por su habilidad para romper narrativas establecidas a través de la pintura, la escultura, el video, la música y la performance, integrando la historia de Estados Unidos en un contexto global. Es un experto en reinterpretar símbolos culturales y formas históricas, desafiando mitos colectivos y reimaginando tradiciones. Su obra está profundamente arraigada en experiencias personales, desde el arte del graffiti en Los Ángeles hasta la influencia de su vida en Japón, revelando su capacidad para conectar culturas e historias.
En esta creación, las nubes representan libertad, ausencia de límites y conexión mutua, inspiradas en el concepto budista y japonés de Nubes y agua (unsui), que simboliza el flujo sin restricciones y la belleza de lo efímero. Bajo el sol y la brisa, las nubes de lentejuelas brillan en la luz del desierto, evocando una sensación de serenidad y trascendencia que trasciende el tiempo.
Lo más especial es que esta escultura se encuentra en el James O. Jessie Desert Highland Unity Center, en Palm Springs, un lugar que fue establecido en la década de 1960 como una comunidad histórica afroamericana debido al desalojo racial. Esto deja claro que la obra no solo simboliza cambio y continuidad, integrando la exploración de la memoria y la identidad en un lenguaje compartido de experiencias visuales, sino que también responde a la intersección entre fenómenos naturales y símbolos culturales. Sobre esta tierra cargada de memoria histórica, transmite un mensaje de esperanza y libertad. Hoy en día, esta comunidad sigue luchando por la reparación y la igualdad.
Desert X 2025｜Jose Dávila
El acto de estar juntos
El artista mexicano Jose Dávila es reconocido por sus esculturas que exploran la densidad material, la gravedad y el tiempo. En esta ocasión, su obra para Desert X 2025, El arte de estar juntos, se extiende entre el espacio y el tiempo, construyendo un lenguaje visual profundo con piedra sin procesar. Estos bloques de mármol, extraídos de canteras situadas a cientos de millas de la frontera entre México y Estados Unidos, simbolizan la esencia de la naturaleza virgen y están incrustados en el paisaje desértico del Valle de Coachella, generando un diálogo sobre En el lugar y lugar diferente.
Inspirándose en la Lugar/no lugar dicotomía de Robert Smithson, la obra de Jose Dávila resalta la ausencia de los materiales en su lugar de origen y su presencia en un nuevo entorno. A través de una Migración física y metafórica, estas rocas cruzan fronteras, explorando la línea entre lo visible e invisible, transformándose en vestigios de un espacio-tiempo. Las rocas apiladas, que parecen dispuestas al azar, contienen rastros de civilizaciones antiguas y visiones de posibilidades futuras, invitando al público a reflexionar sobre la posición minúscula de la humanidad en el infinito del tiempo y el espacio.
La obra es como Ruinas invertidas, simbolizando el final de lo antiguo y el comienzo de algo nuevo, presentando un estado inacabado. Al pasear entre ellas, estos bloques de mármol parecen convertirse en hitos del espacio-tiempo, guiando a las personas a reflexionar sobre su fugaz posición dentro del marco temporal y espacial, y a sentir la transitoriedad dentro de un universo infinito.
Desert X 2025｜Cannupa Hanska Luger
G.H.O.S.T. Ride / (Tecnología de Sistema Operativo Generativo para Habitación)
G.H.O.S.T. Ride es una continuación de la serie Future Ancestral Technologies (FAT) del artista interdisciplinario Cannupa Hanska Luger. Esta serie utiliza narrativas de ciencia ficción para imaginar un futuro sostenible y basado en la tierra, desafiando los modelos coloniales de explotación de recursos.
Cannupa Hanska Luger se especializa en combinar la narrativa visual con la cosmovisión indígena, redefiniendo el significado de la humanidad colectiva. Nacido en la reserva Standing Rock en Dakota del Norte, como miembro de las Three Affiliated Tribes, integra arcilla, textiles, acero y medios digitales en sus creaciones, conectando la sabiduría ancestral con la cultura material contemporánea. En Desert X, Cannupa Hanska Luger reinterpretó su icónica obra 《Reutilización de vehículos de tecnología antigua》 (RAT Rod), transformándola en un dispositivo móvil que recorrió el valle de Coachella durante nueve semanas, deteniéndose en múltiples ubicaciones.
Este vehículo camuflado con vinilo reflectante se integra con el entorno, actuando como un reflejo y una extensión del paisaje. El cuerpo del vehículo combina residuos industriales, cerámica y tiendas de campaña tradicionales, además de estar equipado con un sistema para recolectar agua y luz, reflejando la visión de Cannupa Hanska Luger sobre un futuro adaptativo. Los espectadores podrían encontrarse en su interior con Viajero en el tiempo—una familia del futuro, quienes comparten revelaciones sobre formas de supervivencia en tiempos venideros.
Con el concepto de FAT como núcleo, G.H.O.S.T. Ride considera la tecnología como un portador de pensamientos que trascienden tiempo y espacio, invitando a las personas a reimaginar las formas de convivencia entre humanos y no humanos. La obra impulsa a los espectadores a reflexionar sobre el significado eterno de la tierra y a explorar la sabiduría y las revelaciones que el desierto ofrece a lo largo del tiempo profundo. Cannupa Hanska Luger opina: Esta obra transforma la forma de sobrevivir en el desierto, enfocándonos en extraer conocimiento de él.
Desert X 2025｜Raphael Hefti
Cinco cosas que no puedes usar en la televisión
El artista suizo Raphael Hefti creció profundamente influenciado por el paisaje de los Alpes, desarrollando una comprensión íntima de la presión tectónica y la formación del paisaje. Más tarde, descubrió en el desierto una horizontalidad amplia y completamente diferente, que se convirtió en la fuente de inspiración para su obra Cinco cosas que no puedes usar en la televisión. Esta creación explora, desde una perspectiva científica, la percepción y la inmaterialidad, empleando nuevas tecnologías y materiales industriales para transformar sus funciones originales en efectos visuales completamente nuevos.
Raphael Hefti utiliza una fibra de polímero tejida en color negro, originalmente diseñada para fabricar mangueras contra incendios ligeras y duraderas, y la recubre en un lado con una capa reflectante. Este material se tensa y se fija entre dos puntos distantes, creando un horizonte artificial. La fuerte tensión hace que el material vibre con el viento, generando armónicos visuales similares a las cuerdas de una guitarra acariciadas suavemente, resonando con el paisaje desértico circundante.
Este efecto vibrante resulta fascinante, difuminando nuestra percepción del espacio, la escala y la distancia. Con los cambios en el viento, el clima y la luz, la expresión dinámica de la obra se asemeja a un espejismo en el horizonte del desierto, desvaneciéndose y reconfigurándose constantemente entre las olas de calor. Esta línea vibrante convierte la distancia en algo tangible, permitiendo a los espectadores sentir la continua performance de la luz y el espacio, al tiempo que experimentan la belleza poética de los fenómenos climáticos.
Cinco cosas que no puedes usar en la televisión Lleva el fenómeno del horizonte infinito del desierto ante nuestros ojos, invitando a los espectadores a replantearse la interacción de la luz y el espacio en la naturaleza.
Desert X 2025｜Kapwani Kiwanga
Trazando el Descanso
Las esculturas de la artista canadiense Kapwani Kiwanga están situadas en el desierto de Palm Springs, reflexionando sobre las huellas visibles de la arquitectura humana en el planeta, especialmente en este desierto que simboliza refugio, libertad y aislamiento. Su estructura recuerda a un pabellón, con influencias del modernismo de mediados de siglo, pero su techo enrejado, compuesto por patrones triangulares entrecruzados, solo proyecta sombras cambiantes sin ofrecer una verdadera protección.
La inspiración de esta obra proviene de los patrones de mosaico Golondrina voladora, que en su momento fueron utilizados como códigos en rutas de escape, sugiriendo a los esclavos la dirección hacia las tierras libres del norte. Estos mosaicos se colgaban en ventanas y en cuerdas de tender ropa para ayudar a los fugitivos a evaluar los peligros o encontrar un refugio seguro.
Los pilares de la escultura están soportados por piedra importada y ramas de palmera, simbolizando el contraste entre lo eterno y lo efímero, lo sólido y lo frágil. Esta estructura no solo refleja la visión utópica de una vida mejor, sino que también revela muchas contradicciones de la historia. Aunque la arquitectura moderna medieval simbolizaba el progreso, las políticas Ciudad del Atardecer y las restricciones de propiedad detrás de ella no lograron garantizar la seguridad e igualdad para todas las personas.
Las obras de Kapwani Kiwanga se convierten en un punto de descanso en el viaje hacia la búsqueda de la libertad, inspirando a los espectadores a reflexionar sobre la constante migración y cambio a lo largo de la historia: desde los compromisos variados de los pioneros hasta los esclavos que buscaban la libertad en el norte. Esta escultura nos recuerda que las huellas de la historia siempre van acompañadas de historias entrelazadas de esperanza y pesar.
Desert X 2025｜Sarah Meyohas
La verdad llega en haces inclinados
La artista de Nueva York Sarah Meyohas combina tecnologías analógicas y digitales para crear instalaciones artísticas cautivadoras, explorando el potencial estético de la ciencia, la tecnología y la percepción visual. En La verdad llega en haces inclinados, utiliza la refracción y reflexión de la luz como elemento central, presentando los increíbles patrones de Dispersión óptica, un fenómeno que comúnmente se encuentra en los juegos de luz natural en el fondo de las piscinas.
Sarah Meyohas utiliza una innovadora técnica de luz y sombra, permitiendo a los espectadores interactuar con cintas estructurales en el desierto sobre las que se proyecta la luz solar. Estas cintas generan reflejos e impactos de sombra precisos. Cada superficie reflectante ha sido diseñada mediante algoritmos computacionales, creando patrones únicos de luz y sombra que componen versos poéticos: la verdad llega en rayos inclinados (la verdad llega con luz oblicua). La obra rinde homenaje a la antigua tecnología de los relojes de sol y al land art del siglo XX, combinando naturaleza y tecnología. Además, ha trazado con precisión las trayectorias solares locales para que las superficies reflectantes y las curvas proyectadas interactúen, mostrando un efecto dinámico de luz y sombra según avanza el tiempo.
El público puede ajustar el espejo para intensificar la proyección, generando durante el proceso ilusiones ópticas como olas, líneas o espejismos, evocando el deseo por fuentes de agua en el desierto. La instalación no solo es una exhibición visual, sino que también invita a reflexionar sobre la naturaleza y la verdad.
Desert X 2025｜Ronald Rael
Adobe Oasis
El arquitecto y artista Ronald Rael, profundamente arraigado en la historia y la cultura del Valle de San Luis en Colorado, se dedica a revivir artesanías tradicionales como la madera, la piedra, el barro y el tejido, combinándolas con tecnología moderna para redefinir su potencial sostenible. Las obras de Ronald Rael Adobe Oasis toman como base los casi diez mil años de historia de la arquitectura en barro, respondiendo a las necesidades arquitectónicas en la lucha contra la crisis climática y destacando las ventajas de los materiales de adobe en términos de bajo costo, alta eficiencia energética, resistencia al fuego y ausencia de toxicidad.
El dispositivo utiliza una tecnología única de impresión 3D, donde un programa robótico da forma al barro en estructuras onduladas, imitando las texturas de las palmeras del valle de Coachella, rindiendo homenaje al oasis de palmeras que han perdurado en el desierto durante milenios. Estos canales de barro enmarcan el horizonte y el cielo en la distancia, transportando a los espectadores a un paisaje donde se entrelazan la naturaleza y la soledad, simbolizando el ciclo y la continuidad del tiempo geológico.
En contraste con las reliquias arquitectónicas de la expansión hacia el Oeste y el desarrollo inmobiliario del siglo XX, Adobe Oasis propone una nueva visión de la construcción sostenible. El trabajo de Ronald Rael combina investigación y creación, donde cada estructura de adobe impresa en 3D sienta las bases para futuras innovaciones. Su obra no solo es una expresión artística, sino también un proyecto de investigación que explora el potencial del adobe en un contexto de tecnologías modernas, ofreciendo esperanza e inspiración para una vida sostenible frente a la crisis climática.
Desert X 2025｜Alison Saar
Estación de Servicio Soul
Alison Saar combina tradiciones espirituales, mitología e historias de la diáspora africana en Estación de Servicio Soul, utilizando materiales reciclados para reflejar el poder de la renovación y la sanación. Emplea elementos desechados como tejas de techo de estaño, madera desgastada, botellas de vidrio y ollas de hierro fundido, otorgándoles una nueva vida mientras conserva la historia y la memoria cultural implícitas, especialmente aquellas relacionadas con las historias vinculadas a la identidad de las mujeres negras.
Su inspiración proviene de las estaciones de servicio del oeste estadounidense. Así, Alison Saar transformó este lugar en una estación de servicio para el alma, ofreciendo renovación espiritual y sanación a los viajeros. En su interior se exhiben esculturas y objetos de fe hechos a mano por Alison Saar, junto con emblemas en relieve de papel de aluminio creados por estudiantes del Valle de Coachella, como expresión de sus deseos de esperanza y sanación. Estos elementos comunitarios, combinados con muebles fabricados con materiales reciclados, dan vida a un oasis espiritual.
En el centro del recinto se erige una estatua de tamaño real de una mujer tallada a mano, simbolizando el poder de la protección y la sanación. Además, una bomba de gasolina transformada reproduce poemas de la poeta de Los Ángeles, Harryette Mullen, enriqueciendo aún más la experiencia. Con un refugio que combina sueños personales y colectivos, invita a los viajeros a detenerse, absorber fuerzas de las voces e historias del pasado, sanar el alma y continuar su camino.
Desert X 2025｜Muhannad Shono
Lo que queda
El artista Muhannad Shono destaca por su habilidad para utilizar materiales cotidianos como tubos de plástico, cuerdas y arena, creando grandes instalaciones que exploran la complejidad de la identidad, la memoria y el patrimonio cultural. En Lo que queda, combina las formas tradicionales y modernas de la península arábiga para reflexionar sobre la fluidez de la tierra y la identidad, mostrando un territorio que constantemente es remodelado por las fuerzas de la naturaleza, desprovisto de una identidad fija.
El dispositivo utiliza largas tiras de tela y arena local, que se mueven con el viento imitando los cambios de las dunas. Las tiras se alinean según la dirección del viento, vibrando contra el suelo y, con la fuerza del viento, se enredan en formas caóticas que interfieren con el movimiento natural de las dunas. Muhannad Shono transforma el viento de ser un desafío a convertirse en un aliado creativo, permitiendo que la tierra se convierta en un portador de memoria en constante cambio, suave y temporal, pero cargado de un profundo significado.
Muhannad Shono describe su obra como Estado de temblor., un punto intermedio entre la tensión de la gravedad y el viento, simbolizando una memoria de la tierra, inestable pero llena de vida. La instalación evoca una reflexión sobre el hogar que no puede ser fijado, desplegando una narrativa y un espacio que rehúyen la quietud. Estas dunas en constante transformación se convierten en una profunda metáfora de identidades fluidas y legados culturales, desafiando la percepción tradicional del paisaje y el sentido de pertenencia de los espectadores.
Desert X 2025
Fecha: 8 de marzo de 2025 – 11 de mayo de 2025
Dirección: Coachella Valley, CA｜California, US
Fuente @coachella @lance.gerber @studiokimsooja @designboom @_desertx
（Vista de la instalación Desert X 2025 de Kapwani Kiwanga, Plotting Rest, foto de Lance Gerber, © 2025 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París. Cortesía de Desert X.）